Ajioka Shintaro

五月の連休が終わった後に韓国ソウルに出掛けた。
旅の目的は二つ。
一は、FONT1000韓国展の飾付けと初日の講演。
二は、芸術の殿堂 デザイン美術館で開催された「ペーパーロード、紙的想像の道」展。


芸術の殿堂 デザイン美術館と会場入口

この展示は、韓・中・日から選抜された約百五十人のグラフィックデザイナーによる
ポスター展とブックデザイン展に、紙による提案展、歴史的な名作ポスター展を加えた四部門で構成。
総点数が二千点にも及ぼうという、壮大な展覧会である。
私はポスター展にエントリーしていた。
（実は、ブックデザイン展にも未応募の私の作品が展示されていた。）


ポスター展とブックデザイン展会場

また、FONT1000韓国展はこの展覧会のイベント展示でもある。
会場が国立のデザイン美術館であることは知らされていたが、
会場を見て、改めて彼我の違いを実感。
（日本では、美術館でデザイン展が開催されることすら稀である。）
展覧会のカタログの厚さが十三センチにもなる豪華さや、
会場が観客で賑わい、その多くが若者であることに、
韓国の勢いをまざまざと見る。



二日目は夕方六時半より講演とオープニングパーティ。
その前に、「チョガッポ」が見たくて、韓国刺繍博物館に。
「チョガッポ」とは、小さな布切れをパッチワークした「ポジャギ」（日本の風呂敷のようなもの）のこと。
「ポジャギ」は使う布や包むものによって様々だが、
私は特に麻や絹の透ける布の端切れを組み合わせた「チョガッポ」に魅かれた。



韓国の女性たちがほんとうに小さな布の切れ端までをも愛しみ、
一針一針、気の遠くなるような時間の果てに繋ぎ合わした一枚の布が「チョガッポ」である。
布が重なり、僅かに濃くなった繋ぎ目が作り出した無心の構成美が魅力だ。

時にそれは、豊饒なアールヌーボー様式をも彷彿とさせ、
時にパウル・クレーの抽象画のようにも見える。
クレーの画面から感じると同じような美しい響きが「チョガッポ」からも聞こえてくる。

その自在な繋ぎ目は無心に布を繋ぐことから、生み出されたものだ。
それは計算からは決して生み出されない。
布への限りない慈しみと惜しみない愛情からしか生まれない。

講演では、日本のタイプフェイスの現状とFONT1000の活動を語り、
フォントの使用例として私の書体「方眼」を紹介。
その日の「チョガッポ」の感動をそのまま、
「方眼」を使用した風呂敷のデザインとの共通性に触れる。
デザインの共通性はもちろんだが、その構成は計算し尽くすコンポジションではない。
伊呂波四十八字を只並べることから自然と生まれた結果である。
そして、ものを包むことから生まれる偶然性をも取り込んだデザインである。



「方眼」はその名からも分かるとおり、方眼上に全ての点画が配置されている、
そして斜線は全て四十五度である。その結果、文字が並んだときにラインが揃い、
造形的な組版が生まれる。隣にどのような文字がこようとも、
調和するようにデザインされるのがタイプフェイスだ。
「方眼」は特にその点を強調した書体である。
何千字もを、黙々と延々と作り続けることも、「チョガッポ」と「タイプフェイス」はよく似ている。

講演の後、動向した友人のデザイナーから、
「チョガッポ」と、私の鳳来「湯谷の家」の床は同じだ、との嬉しい言葉をいただいた。
「湯谷の家」の床は、木材を手当たり次第にパッチワークした。
大小だけでなく、樹種も色も全く構わず貼り合わせている。
結果は既製の床材では到底得られない、豊な表情を持つ床が生まれたと自負している。

その後、ギャラリーサンセリテに制作した、
土染めの布の茶室とも同じだとの指摘を、別の方よりいただいた。
好みというのはつくづく同じなのだとあらためて実感。



「ポスター展とブックデザイン展」の作品は、
いずれも技術も構成もまた印刷技術も素晴らしく、
全てが計算されたデザインが並び、いずれもが現在の韓・中・日のデザインの水準を示していた。
しかし「歴史的な名作ポスター展」と比べると魅力に乏しい。



それは何故か。もちろん、歴史に耐え、選び抜かれた作品と比べるのは不公平ではあるが、
技術や計算や効率や完成度は感動やインパクトには直接結びつかない。
そのことを、計らずも今回の展示は我々に教えているのだろう。
「無心や必然性」「限りない慈しみと惜しみない愛情」
これらは「技術や計算や効率や完成度」とはほど遠いものなのだろう。

久しぶりに土の仕事がしたくなり、
準備をしていたところに、
栃木県益子町の「土祭」（ひじさいと読む。土方歳三のひじ）へのお誘い。
二つ返事で引き受けてしまった。

早速、13〜15日。会場を見がてら、土の採取に出掛けた。
益子は遠い。12日夜。東名豊川IC近くで食事後、出発。
足柄SAで一泊。午前中に益子到着。
町の担当者と
益子グランドホテル（？！）のオーナーKINTA氏とともに会場に、
9×18m、高さ6m。想像以上にでかい。



いつもながらの、後悔先に立たず。
小さな仕事ではどうにもならない。
7×1.53m程度の作品が、最低4点は必要と見当をつける。

午後、それに見合った土の採取に出掛ける。
初日、見事といえばあまりの空振り。絶望。

二日目。朝から雨。益子は私が出掛けるといつも肝心なときに雨。
益子は雨が多い。（益子の住民は私と違うことを言う。）
KINTA氏の友人であり、益子を代表する人徳者カックン氏に登場願って、問題全て解決。
昨日、採取できなかったポイントが採取可能に。

三日目。採取せずに帰る予定を変更。
突然、朝、5時半より採取に出発。



途中。カックン氏も合流。午前中に終了。



分かるだろうか。私を中心に点々とした土の採取跡。
横に5、縦に10のポイントで採取した。
これで、上下に連続する、縦1.5m、横7mの作品が2点仕上がる。
ほぼ、採取地の原寸になる。

ここでは、
今後50年間、益子で使われる粘土が採掘されたという。
新しい益子の歴史がここから始まると聞いた。
あれこれ、楽しみだ。

今年は遅い益子の桜も今や満開。
益子グランドホテルの庭では、花見の真っ盛り、



立つ鳥、酒の香りに心は残るが、
私にとっては、「笑点」のほうが重大事。
今なら、間に合うと、一路帰豊。
新東名開通の渋滞を駆け抜け、
良かった、間に合った。

豊橋市美術博物館の新収蔵品展で
1979年の毎日現代美術展出品の作品の話になった。

その頃は、画家山口長男との出会いから、
美術とは何かを模索し、
全て根本から考え直そうとしていた時期だ。
この作品も、そのような試行錯誤の中から生まれた。



タイトルは「紙版画」。
1979年 ・毎日現代美術展出品
227 x 182cm

紙版画とは、
厚紙を切り抜き、それを重ねることで、
その厚さの違いで形と形の間に出来る白い線が面白い。

当時は絵画技法についても、
それをテクニックとして利用するのではなく、
行為と結果の同一性を考え始めていた。
これはその一例で、
細長くテープ条の厚紙を重ね合わせて作った版に
顔料と亜麻仁油を練ったもの、

つまりは油絵の具なのだが、膨大な制作量を確保するため、
高価な既製の絵の具を使わず、
絵の具を手作りし、バケツ一杯も用意して制作していた。

それを、版にたっぷり塗り、裏打ちした絹を載せ、
その上に、直接乗り、圧をかけ、形状を写し取ったものだ。
版の形状を正確に複製・再現するのが目的ではなく。
絵の具を写し取る行為、
つまりキャンバスの上を動き回る姿をそこに写し取ろうとした。
そのため、同じ版で何度も写し取り、
結果もその都度違い、それが実に面白かった。

この作品も長くお蔵入りしていたのだが、
枠を作り、ギャラリーサンセリテに展示した。

これで、豊橋市美術博物館と、ギャラリーサンセリテとで
1978、1979、1980年の150号が5点
土のシリーズの120号の作品、2点が並んだことになる。



意図したことではないが、
私としても、私自身の美術や絵画の軌跡を振り返り
この30年、我ながらあまり変わらずに続けてきたことを
再確認する、良い機会になっている。

豊橋市美術博物館の新収蔵品展は6月17日まで
ギャラリーサンセリテは連休前頃までは展示しています。
若き頃の私を是非ご覧下さい。

今日、別件で豊橋市美術博物館に出掛けた。
すると、新収蔵となった私の作品が、２階に並んでいた。
この作品についてと、新収蔵品展で並ぶことは
私の最初の作品で書いたが、
展示が始まるので、もう一度。


隣は土のシリーズの第一作。

新収蔵の作品は28歳の制作で、
別々に書いた、約60cm正方のパネル、12枚を構成したもの。
長い間、バラバラで保存していたが、
今回の収蔵に合わせて額装していただいた。



次は学芸員による解説。

「土の造形で知られる味岡伸太郎は、当初、前衛書からその活動を始めた。図形と数式で埋め尽くされた12枚のパネルによるこの作品は、書壇から離れてドローイングに移行する時期に手がけられている。数式や図形を正確に筆写するというよりは、コンテで走り書きのように書き連ね、時に訂正やアンダーラインを入れるなど、学生が黒板を写し取ったノートのような自由な筆勢が特徴となっている。ひたすら文字を写し取るという行為は、文字によって「無我」であろうとする作者の一貫した姿勢によるもので、味岡の造形活動の原点ということができる。」

現在、ギャラリーサンセリテには、
30歳の青いドローイング、2点がたまたま並んでいる。
このことも、
すでに1980年の青いDrawingで書いてある。

今なら、初々しい私にまとめて会えます。

豊橋市美術博物館
新収蔵品展
4月1日〜6月17日

画面はすべて斑点で埋めつくされている。じっと見ていると、左右上下に微妙な動きがあり、濃淡の差による空間の深浅がある。まさしく、藍一色の純粋造形で あり、順列組合わせであり、平均律音楽である。
　作者は、前衛書から出発した若い造形家で、書の手法を現代の造形に的確に生かしている。
　絵画のテク ニックとしては、紙面上に絵具を置き折り重ねて形を写しとるデカルコマニーによっているが、まるで、テクニックらしいテクニックを用いていないかのよう に、一切を自成的に制作しているところが好ましい。
　藍一色によって形成されたこの連続のリズムを眼が着実にたどっていくと、そこには、空間の位相と共 に時間の流れが鮮やかに見えてきて、これが空間を内包した時間の芸術であることが理解される。
（瀬木慎一
）

東京での初個展で美術評論家の瀬木慎一氏に書いていただいたものである。

29歳の制作で、個展の最終日が30歳の誕生日だった。
会期中に書家の井上有一氏が二度も会場を訪れ、
俺の作品と交換しないかと言われたのもこの個展だった。
何となく気後れし、
交換しなかったが、今となっては、残念無念。
数多い、若気の過ちの一つ。

そういえば、
個展の初日は東京には珍しいほどの大雪で
銀座も10cmを超える積雪だった。
思えば、あれからだった。
個展の初日が必ず、雨か雪になるのは…　。

個展が終わって、さらに大きなものを描きたくなり、
制作した150号の作品が二点、久しぶりに姿を現した。



青色に変化はないのだが、周囲に若干汚れがあり、
先週、修復した。



さっそくギャラリーサンセリテの壁にかけてみた。



このまましばらくは、常設展示で並ぶようだ。
若かりしころの、初々しい私めをご覧になりたい方、
ぜひ、お出かけください。

五月、韓国ソウルで「ペーパーロード、紙的想像の道」を
テーマとするデザイン展が開催される。
ポスター、ブックデザイン、紙プロジェクト、タイポグラフィの四部門で構成され、
韓中日から選抜された、
約百名のデザイナーが出品するポスター部門に私は招待されている。

会場は国立の「芸術の殿堂 デザイン美術館」。
約二十年程前に開館、その開館記念展にも招待され、
出品作はその美術館に収蔵されている。

経済面での最近の韓国の躍進は目覚ましい。
官民一体の活動の成果である。
デザインも同様で、日本では公立のデザイン美術館はない。
今、おそらく韓国よりも日本のデザインの方が上であろう。
しかし、それが何時まで続くか。
やがて、追いつかれ、追い越されそうな、勢いが韓国にはある。

Asia Creative Academy 2011秋　其の1
で韓国ACAでの講義について書いたが、
ACAは産官学の協力で、社会や大学を卒業した後、
さらに上を目指そうという学生が学んでいる。
学生のレベルは驚くほど高い。
そこと提携する同様な学校が東京青山にあるが、
その運営はデザイナー個人によって行われ、大きく違う。

これまで日本を支えてきた仕組みが時代に対応できなくなり、
韓国の躍進、日本経済や地方の衰退は全て同根である。

ともあれ、今年中に完成を目指す明朝体のためのポスターを出品した。
それぞれ突・破・畳・折・切の一文字を画面の中央に大きくレイアウトし、
それぞれに直接、突いたり、破ったりの行為を加えた。





大量生産を前提とすればいささかタブーな作品だが、
成熟し、チャレンジ心を失わんとする日本には必要な試みなのだ。

豊橋市美術博物館との同時オープンのため、
個展の初日に遅れて、21日は個展のオープニングパーティ。
久しぶりに映像を流してトーク。

今回の話のテーマは「書くこと、並べること」
私にとっての「文字を書くこと」は前回のブログに書いた。
そのことと「物を並べること」はどのように繋がるのか。



ここで写している作品は1987年の双ギャラリーでのインスタレーション。
ギャラリーに隣接した井の頭公園の枯れ枝をギャラリーの床に並べたもの。
一筆、一筆、画面に点を書くように枝を並べてみたものだ。
夜、客も帰り、静まりかえると枝に棲む虫たちの枝を噛む音が聞こえだし、
朝、枝の下に木屑の小さな山ができていた。



オープニングを終え、
帰宅すると奇しくも
双ギャラリーの塚本豊子さんがギャラリー創設の1985年からの15年を記した
『画廊と「日常」』が届いていた。



私と双ギャラリーとのお付き合いは長く、
それほど、太い縁ではないが折り目折り目で声を掛けていただいた。
記念展にも何回か参加した。
早速、一読。
幾つかの現場に立ち会った者としては
文章には書けないのだろう行間が想像でき
面白かった。

「現代美術 in とよはし」の開会式が豊橋市美術博物館で行われ「線庭」が公開され、
同時に豊橋市内のギャラリーサンセリテでの個展「春と修羅より」も始まった。



入口には芭蕉の句。



今回のタイトルは「春と修羅」
宮沢賢治の詩集を中心に書いてみた。

今回の個展も文字を書いている。
何故文字を書くのか。

絵画とはなにか。
それは画家の美意識によるストロークで紙面を満たすことだ。
それが具体的なものを描くのであれ、
何ら具象性を持たないものであれ
結果としてストロークで画面が満たされることには違いない。
その意味で画面に何が描かれているかは絵画の制作に関係ない。
観る者は画面のストロークと
それによってもたらされるマチエールに惹かれる。
それは、歌手が歌う歌詞の内容以上に
その歌手の天性の声質に我々が惹かれることに似る。
もちろん、描かれる内容や歌詞の意味が
無意味と言っているのではない。
マチエールや声質が人間の感動に対して
それがより直接的で、
強いインパクトがあると考えている。

通常の絵画ではストロークが前もって決められることはない。
描くにつれ、その結果をもとに、
それが瞬間的な判断であれ、作者の意志で決められる。
対して「文字」を書く場合
文章には前もって、文字の並びが決定され、
その文字には書き順が決まっている。
つまり、作家はその手順の通り手を動かしていく。
その結果、画面がストロークで満たされる。

それでは現代の書家の全てが皆そのような評価の対象かと言えばそれは違う。
なぜならば、そこには「上手な字」「読みやすい字」あるいは「古典に忠実な字」
前もって、「画面構成を考え」てみたり、「書く文字の形を考え」てみたりと
只「文字」や「文章」を書くには至っていない。
只「文字」を書くとは、紙面に関係なく、
例えば中央に文字を書くことでもない、
それもまた、中央に文字を書くという構成である。

只「文字」を書くことで、線が生まれ、空間が生まれる。
それ以外の何物かの介在を許した瞬間、画面は破綻し品格を落とす。
それが「文字」を書くことの意義であり、
「文字」を書くことを選択した理由。

そこには作為も虚飾も存在は許さず。
己を守ってくれる武器を持たず、
己の存在をかけて文字を書くことに対峙する
己がいるだけ。

難しいことを書いてしまったが
結果はそんな難しいものではない。

「現代美術 in とよはし」の「線庭」と共にご覧ください。

個展は、2月12日まで
オープニングパーティは
1月21日（土）午後6時30分より
お待ちしております。

昨日までで搬入はほぼ終了。
今日からは、細かな調整を一人で行う。

  

まだ微調整まえの前庭、子供が石の上に乗ったり、
お婆さんが腰掛けにしたりと、
会期前だが、すでに景色に溶け込んでいる。
公園緑地課からクレーム。
夜、危険だから点滅ランプの設置の要請。
自転車に乗った人がぶつかるそうだ。
屋外のインスタレーションは夜も展示時間だ。
公園には庭園ライトもある、
自転車にもライトは義務だろうと、
一言いいたくなる。

 

今日の作業はバールで持ち上げ石をはさみ安定を取り、
真っ直ぐに並ぶように調整。



ギャラリースペースで展示しているのだろうお年寄りが
聞こえよがしに「こういう作品は独りよがりになりがちなんだ」と
独りよがりな発言。
「作品というのは独りよがりに決まっているだろ。
あなたたちは仲良しグループでみんなで誉めあって楽しいでしょうね。」
と言ってやりたいが、ここは大人になってぐっと我慢。



 中庭に面して配置した蹲に水を試しに入れてみた。
なかなか、いい感じ。 

  

石を洗うために購入した高圧洗浄機が威力発揮。
作品だけでなく、作品回りもおそらく開館以来の水洗い。
良い会場になりそうだ。

今回の展示で、美術館の使用の巾が広がってくれるといいのだが。
明日は、最後の調整。
長い展示もいよいよ終了だ。

昨日展示したロビー。
正面のガラスに石が映り込み池を越えて石が伸びている。



やはり昨日展示した後庭をギャラリーから見る。
日本庭園の竹に石がなじんで美しい。



この美術館は動物園の跡地に建つ。
おそらく、入口にあったのだろうペアのライオン像。
左の像は顔が欠けているのだが、
その方が像としての強さがあるか。
作り過ぎた欠陥を自然の力がおぎなっているのだ。
ライオンの後ろには蹲がある。
どこかに日本庭園があったのだろう。
展示して、水を張る予定。
本当は館内で水の使用は許されないのだが、
お願いしよう。



ライオンの設置。
公立美術館ゆえの様々な問題、
人の手による彫刻。
歴史の残像、その全てをそのまま受け入れ、
ひたすら並べることで全てが生かされ、
私も生かされる。



午前中の最後の作業、中庭の前に蹲を据える。
光が差し込めば、水が美しく見えるだろう。

石を直接床に据えること、
水の使用、
ロビーやラウンジ、
前庭、中庭、後庭での展示、などなど…
この美術館では始めてのことばかり。
関係者の協力に感謝。
今後の美術館使用の良き先駆となることを願う。



午前中の作業終了。
午後は、後庭の前のスペースに展示。
その報告は明日とする。

美術館の各部屋は貸しギャラリーとして使用中。
その横や前での搬入なので目障りらしく、ささいなトラブル。
その根本の原因は豊橋の美術館の問題点の一つ、
企画展示室と市民ギャラリースペースが分離していないことによる。
そのため、
企画展示と貸しギャラリー展示との違いが
分からない方も多い。。
一日も早い、市民ギャラリーの開設が望まれる。